Isamu Noguchi (1904-1988)

Conocido por su escultura y obras públicas, Noguchi también diseñó escenografías para varias producciones de Martha Graham, por no mencionar varias lámparas y muebles producidos en masa, algunos de los cuales todavía se fabrican y venden.

fuente de imagen: https://search.creativecommons.org/photos/f809a6e7-cb53-400a-bd46-2b84583a8f7b por Michael Francis McCarthy

Biografía

Isamu Noguchi, nacido en 1904 en Los Ángeles del poeta japonés Yone Noguchi y la escritora estadounidense Leonie Gilmour, estudió en la Universidad de Columbia y la Escuela de Arte Leonardo da Vinci.

Posteriormente estableció su primer estudio independiente, recibiendo una beca Guggenheim en 1927. Noguchi se convirtió en asistente de Constantin Brancusi en París, antes de presentar su primera exposición individual en Nueva York. Después de estudiar dibujo de pinceles en China, viajó a Japón para trabajar con arcilla bajo el maestro alfarero Jinmatsu Uno.

Sus experiencias de vivir y trabajar en diferentes círculos culturales se reflejan en la obra de Isamu Noguchi como artista. Es considerado un talento universal con una obra creativa que va más allá de la escultura para abarcar escenografías, muebles, iluminación, interiores, así como plazas y jardines al aire libre. Su estilo escultórico está en deuda con un vocabulario de formas orgánicas y ejerció una influencia sostenida en el diseño de la década de 1950.

Mi Padre, Yone Noguchi es japonés y ha sido conocido como un intérprete de Oriente y Occidente, a través de la poesía. Deseo hacer lo mismo a través de la escultura

– Escrito en la propuesta de Noguchi para una beca Guggenheim.

Isamu Noguchi murió en Nueva York en 1988.

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En 1947, Noguchi comenzó una colaboración con la compañía Herman Miller, cuando se unió a George Nelson, Paul László y Charles Eames para producir un catálogo que contiene lo que a menudo se considera el cuerpo más influyente de los muebles modernos jamás producidos, incluyendo la icónica mesa Noguchi que sigue en producción hoy en día. Su trabajo vive en todo el mundo y en el Museo Noguchi de Nueva York.

Todo es escultura

Noguchi dejó muy claras sus creencias sobre su profesión:

Todo es escultura, cualquier material, cualquier idea sin obstáculos nacidos en el espacio, considero escultura.

Noguchi creía que la tarea del escultor era dar forma al espacio, darle orden y significado, y que el arte debería «desaparecer», o ser uno con su entorno. Tal vez fue su doble herencia, su padre era un poeta japonés, su madre un escritor escocés-americano, que resultó en su forma de ver el mundo con un ojo para la «unidad.»

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Noguchi creó esculturas que podían ser tan abstractas como las de Henri Moore o tan realistas como las de Leonardo. Usaba cualquier medio que pudiera conseguir: piedra, metal, madera, arcilla, hueso, papel, o una mezcla de cualquier o todo tallado, fundición, corte, golpes, cincelado, o dinamita a medida que cada forma tomaba forma.

«Para limitarse a un estilo particular puede hacer que un experto de ese punto de vista particular o la escuela, pero no quiero pertenecer a ninguna escuela […]Siempre estoy aprendiendo, siempre descubriendo.»

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Ideas clave

El concepto general que informaba el trabajo de Noguchi era su apasionado deseo de crear arte que el público pudiera usar en un espacio social. Realizó este objetivo de innumerables maneras: muebles y lámparas producidos en masa; diseños teatrales; proyectos públicos como jardines, parques infantiles y fuentes; y manipulaciones escultóricas del paisaje natural.

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Noguchi quería llamar la atención sobre las dicotomías inherentes a gran parte de su trabajo: fusionó formas geométricas y orgánicas, encontró valor en el espacio positivo y negativo, y creó obras que desafiaban los límites del diseño y el arte. También integró los materiales y las formas de arte de su herencia japonesa y estadounidense en sus creaciones innovadoras.

Noguchi estaba conectado social y artísticamente con el Expresionismo Abstracto, como es evidente no solo en sus obras a gran escala que evocan formas abstractas, sino también en sus amistades con Arshile Gorky y Willem de Kooning. Sin embargo, su escultura conservó una sensibilidad distinta en su uso de materiales naturales y su particular mezcla de influencia surrealista y japonesa.

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Obras más importantes

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Noguchi se encontró por primera vez con los jardines japoneses durante sus visitas a la tierra natal de su padre en la década de 1930. En la década de 1950 comenzó a diseñar sus propios jardines únicos. El jardín diseñado se convirtió en un concepto crucial para sus paisajes escultóricos, que vio como un medio para integrar el arte en los entornos sociales. Veía su trabajo como una «escultura de espacios», en lugar de una colección de piezas discretas.

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Jardin Japonais, para la sede de la UNESCO en París, fue su primera gran comisión de paisaje. Noguchi sentía que los jardines debían ser experimentados como naturaleza intacta, por lo que incluyó elementos como formas orgánicas generales y linternas hechas de piedra natural. Arregló las piedras japonesas cuidadosamente seleccionadas basándose en la tradición japonesa y su propio diseño único, fusionando su habilidad como diseñador con su gran respeto por el mundo natural. El hecho de que el patrocinador de Noguchi fuera la sede de las Naciones Unidas en Francia habla de la reputación internacional y de la alta estima por el artista y su capacidad para representar los ideales más elevados de esta entidad internacional. El resultado final sería conocido como el Jardín Japonais.

fuente de imagen: https://en.wikipedia.org/wiki/Isamu_Noguchi#/media/File:April_2010,_UNESCO_Headquarters_in_Paris_-_The_Garden_of_Peace_(or_Japanese_Garden)_in_Spring.jpg por Michel Ravassard

En la década de 1940, Noguchi produjo sus primeras esculturas iluminadas, Lunars, habiendo explorado previamente la idea de esculpir con luz. Sus lunares demuestran cómo el artista continuó basándose en formas biomórficas de inspiración surrealista, y se componían de magnesita y bombillas. En 1951 Noguchi amplió su fórmula básica para crear su lámpara Akari, trabajando a petición del alcalde de Gifu, Japón, para modernizar los diseños de linternas locales. Los resultados han sido exhibidos y producidos en masa desde 1955.

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Noguchi imaginó su Akari (que significa «luz como iluminación») como dos esculturas – tanto la forma externa de la escultura misma como las formas resultantes creadas por la luz emitida. Para Noguchi, la luz era otro tipo de medio con el que trabajar, uno que desafiaba la idea de la materialidad a través de su eterealidad fundamental, y que irradiaba tanto el mundo natural como el industrial.

Ubicado dentro del jardín del Museo Noguchi en Nueva York, The Well demuestra el dominio de Noguchi de los elementos naturales y la fuerte presencia de una estética japonesa. Noguchi trabajó con piedra toda su vida, primero aprendiendo a tallar mientras era asistente de Constantin Brancusi. Noguchi produjo sus últimas esculturas de piedra en su estudio en la isla de Shikoku, Japón, donde trabajó con la piedra de basalto local. El pozo equilibra perfectamente el modernismo con la piedra tradicional japonesa, el hombre hecho con lo natural. La pieza une contrastes naturales: la fluidez y transparencia del agua frente a la piedra negra quieta y sólida. Filtrado desde abajo, el agua roza suavemente la superficie del Pozo; hay una ligera hendidura en la parte superior que se sumerge con agua antes de caer en cascada. Noguchi combina sensualmente elementos naturales, creando una obra a la vez contemplativa, pero alegre.

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Premios

Fue galardonado con la Medalla Edward MacDowell por su destacada contribución de por vida a las artes (1982), el Premio Kyoto de Artes (1986), y la Medalla Nacional de las Artes (1987). El Museo del Jardín Isamu Noguchi, que abrió sus puertas en Long Island City, Nueva York, en 1985, incluye un jardín de esculturas al aire libre y una colección de unas 500 esculturas, modelos y fotografías.